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古瓷之光(精)

  • 定价: ¥138
  • ISBN:9787535694645
  • 开 本:16开 精装
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  • 折扣:
  • 出版社:湖南美术
  • 页数:1页
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导语

  

    知名瓷人、陶瓷文化研究者涂睿明全新力作,带你领略中国古典陶瓷的美学巅峰,精选77件陶瓷艺术史上的至美珍宝,重温从先秦到清代的华夏文明
    造型、工艺、色彩、纹饰、绘画、历史背景……多角度解读古瓷的观赏之道,全方位展现中国陶瓷征服世界的美学魅力,再现历代社会的审美雅趣、民俗风情与匠心工艺
    青花、五彩、粉彩、吹绿、洒蓝……一场关于色彩的视觉盛宴
    云纹、水纹、冰裂纹、弦纹、莲瓣纹……一趟传统纹饰的变幻之旅
    胆瓶、梅瓶、柳叶瓶、琮式瓶……一览陶瓷艺术史上的经典造型
    不可不读的博物馆参观指南:高清微距,全彩呈现,专业解读你在博物馆里看不到的种种细节
    “吹绿”的绿是吹出来的吗?历史上的“秘色”到底是何种颜色?
    宋代极简的陶瓷美学,竟源自绚烂的唐代?
    为什么说红釉瓷器是陶瓷烧造工艺的试金石?
    以2.8亿元的价格成交的明成化斗彩鸡缸杯为何如此昂贵?
    可随时随地开启的陶瓷艺术之旅,文物爱好者不能错过的收藏之作
    了解古典陶瓷的知识大全,一本书看懂中国陶瓷史;
    提升艺术与审美的感受力,懂得如何欣赏陶瓷之美。"

内容提要

  

    《古瓷之光》是知名瓷人、陶瓷文化研究者涂睿明的全新力作。以朝代为序,遴选了中国陶瓷艺术史上77件至美珍宝,记录下陶艺与中华文明碰撞的每个精彩瞬间,深入讲述中国陶瓷艺术的美学变迁。
    从古瓷的造型、色彩、材质、工艺、历史背景等角度切入,全方位展现中国陶瓷征服世界的美学魅力,重点解读其美在何处、普通人如何欣赏以及这些陶瓷器在中国古代社会文化中的功能与角色,让我们得以从一件件陶瓷作品中,探寻到历代的审美雅趣、民俗风情与匠心工艺。
    读完本书,当我们在博物馆中面对一件瓷器时,便懂得如何去欣赏它造型的优雅、颜色的美妙、画面的意趣、细节的深意、背后的故事……对中国陶瓷的美,产生更加具体、深刻的认知和感受,而不再只是用简单的一个“美”字笼统概括。

目录

序言
第一章 先秦 | 初生
仰韶文化鹳鱼石斧图彩绘陶缸 | 画之初
马家窑文化彩陶 | 文明之光
龙山文化白陶鬶 | 变形记
西周原始青瓷壶 | 晨曦初现的薄光
秦兵马俑 | 被遗忘的战士
第二章 汉唐 | 成长
晋德清窑黑釉鸡首壶 | 吉
唐长沙窑 | 釉下彩之殇
唐三彩马 | 现实主义之巅
唐越窑秘色瓷瓜棱瓶 | 秘色之谜
唐邢窑白瓷双龙耳盘口瓶 | 雄浑中的秀色
唐鲁山窑花瓷腰鼓 | 暗夜之光
五代越窑双系罐 | 侘寂之源
第三章 宋 | 初长成
宋汝窑无纹水仙盆 | 梦
宋汝窑三足洗 | 造型的极致与终结
宋官窑方盆 | 横平竖直
宋官窑笔舔 | 无用之用
宋官窑弦纹盘口瓶 | 气定神闲,波澜壮阔
宋哥窑双鱼耳香炉 | 静夜焚香
宋哥窑胆瓶 | 轻风吹到胆瓶梅
宋钧窑天蓝葡萄紫海棠式花盆 | 异彩纷呈
宋定窑白瓷孩儿枕 | 婴戏的魅力
宋定窑印花白鹿衔芝图折沿盘 | 白色的奢华
宋磁州窑梅瓶 | 风花雪月
宋登封窑珍珠地划花橄榄瓶 | 虎虎虎
宋耀州窑凤纹提梁壶 | 壶里乾坤
宋龙泉窑琮式瓶 | 玉琮
宋龙泉窑双摩羯鱼耳纸槌瓶 | 墙外香的雪拉同
宋景德镇窑青白釉瓜形壶 | 一壶风雅
宋吉州窑木叶碗(盏) | 奇迹
宋建窑兔毫盏 | 点茶神器
辽黄釉凤首瓶 | 朝凤英姿飒爽
宋绿釉狮子香炉 | 神完气足
第四章 元 | 分水岭
元青花凤首扁壶 | 飞升
元青花鱼藻纹大盘 | 中国水墨与伊斯兰装饰
元龙泉褐彩玉壶春瓶 | 玉壶买春的典雅
第五章 明 | 巨人
明永乐青花龙纹扁瓶 | 气壮山河
明永乐青花缠枝莲纹盘 | 缠绕世界的莲花
明永乐青花压手杯 | 盛名之下
明永乐甜白釉刻花缠枝莲纹梅瓶 | 通感的诱惑
明永乐翠青釉三系盖罐 | 暗藏杀机
明宣德宝石红釉僧帽壶 | 伟大的探险
明宣德填红釉三鱼纹高足碗 | 时间之间
明成化斗彩鸡缸杯 | 生“鸡”勃勃
明嘉靖矾红地黄彩花卉纹四方盘 | 忧郁的微光
明嘉靖五彩鱼藻纹盖罐 | 光恰似水
明万历青花花鸟图绣墩 | 不秀而敦
明仿官釉笔山 | 安稳如山
明宜兴窑时大彬紫砂壶 | 文人意趣的胜利
明德化白瓷观音像 | 造像之美
第六章 清 | 盛极而衰
清康熙青花云肩纹将军罐 | 威风八面
清康熙五彩道教人物图瓶 | 色彩的交响乐
清康熙青花夔凤纹双陆尊 | 一步之遥
清康熙青花松鼠葡萄纹葫芦瓶 | 自然灵感与把玩
清康熙素三彩三果纹盘 | 茄紫鹅黄皮瓜绿
清康熙青花山水棒槌瓶 | 蓝色水墨
清康熙五彩十二花神杯 | 茶杯里的四季
清康熙青花团花锯齿纹摇铃尊 | 如观美人
清康熙孔雀绿釉花觚 | 阴柔之美
清康熙冬青釉云纹水盂 | 案上风景
清康熙绿釉暗刻螭龙纹双耳托盏 | 茶杯的进化
清康熙豇豆红八大码 | 美人醉
清康熙人物故事图盘 | 另一扇窗
清雍正洒蓝釉地黄花盘 | 明日黄花
清雍正粉彩花鸟抱月瓶 | 瓷上绘画的极轨
清雍正粉彩福寿双全橄榄瓶 | 一个时代的侧影
清雍正斗彩鸳鸯莲池纹盘 | 平淡天真
清雍正珐琅彩瓷赭墨竹石图碗 | 端起一片竹林
清雍正青花釉里红牡丹图瓶 | 诗书画印
清雍正茶叶末釉螭耳花浇 | 从来多古意
清雍正海棠式花觚 | 结构之美
清雍正黄地青花寿桃纹盘 | 两种意志
清雍正十二色菊瓣盘 | 色彩的盛宴
清乾隆粉红地粉彩扒花番莲纹碗 | 锦上添花
清乾隆白釉番莲纹玲珑碗 | 要有光
清嘉庆红地描金万福连连盖罐 | 极致的奢华
清道光红地留白梅花纹盖碗 | 雅俗之间
清大雅斋瓷绿地墨彩菊花纹渣斗 | 一个女人的生活与爱
"

前言

  

    曾经,中国陶瓷的美征服了世界!
    它占领欧洲中产阶级家庭的餐桌、壁柜,陈列在土耳其国王宫殿最显著的位置,供奉于日本幕府将军的壁龛;它被收藏在世界各地最宏大的博物馆,与人类最杰出的艺术品共聚一堂、分庭抗礼。数百年间,不论地域、文化、种族,无数人都为之倾倒。但今天人们似乎把关注的焦点全然转移到他处,很少真正关注它的美。
    拍卖会更关心一件瓷器的真伪、稀有程度、时间是否久远,它为谁烧造,被何人使用、收藏又流转于何人之手。于是,长久以来,宋瓷在拍卖会上的表现,就往往难以与某件传承有序的乾隆官窑瓷器相抗衡,尽管它展现出无尽的精巧、华丽与复杂,却未能超越那看似简单朴素的器形与颜色带给世界的美的感动——连乾隆皇帝本人也必定这么认为(他令宫廷画家画下的他最钟爱的瓷器,绝大多数都出自宋代)。
    考古学家殚精竭虑地寻找、发掘古代窑址,搜寻蛛丝马迹判断一件器物的产地、时代、真伪。而它的美不在考古学家的职责范围,所以考古报告独独没有美的位置。
    展览的情况也类似。一个展览的分量往往在其“学术性”,而不是“美”。去年我专程到浙江省博物馆参观“天下龙泉”展览。最引人注目的两件藏品:一件是船形砚滴,显赫而炫耀地摆放在入口处。但即使置
    身于众多龙泉青瓷的杰作中,它也无足轻重,不过略显奇技淫巧。更不必说将之放置在整个陶瓷史如群星闪耀的众多杰作之中,而它却堂皇地成为某大博物馆的镇馆之宝。另一件是来自日本的“蚂蝗绊”,被深藏在展厅的腹地。人们走进展厅,经过长廊,在安保人员的指引下绕过几个拐角终于找到。然后屏息凝气,按几下快门,发出一声声赞叹,心满意足地离开,甚至不再看一眼展览上其他众多的藏品。而那只是一件残破的青瓷碗,毫不掩饰地显露出处处修补的痕迹——几枚锔钉——这从来被当作是无可奈何的举动,仅仅表现出拥有者对瓷器本身的无比珍视,却并不能增加它本身的价值。因为无论在什么时候,一个破碗的价值都会远远低于它破损之前。即使它没有破损,同时代更为精彩的杰作在同一个展厅里也难以胜数,却少有人留意。其被关注的原因仅仅是其背后写满传奇的故事。人们关注的,并不是它的美。
    一度,我也曾在书中寻找陶瓷之美的线索,结果同样令人失望。古人很少谈论瓷器,或许是所谓玩物丧志吧。偶尔谈及,不过只言片语。
    今天,陶瓷鉴赏书大大丰富,但同样并不乐观。
    想象一下,如果你在一本书中首先读到这样一段文字:“一双丹凤三角眼,两弯柳叶吊梢眉,身量苗条,体格风骚,粉面含春威不露,丹唇未启笑先闻。”你必然要调动所有想象力,并试图回想熟人中或看过的影视剧中有否相似的美人,加以印证。但是反过来,你见到一位美人,耳闻目睹其音容笑貌,那样文字就显得多余了。
    我们在陶瓷鉴赏书中读到的往往是如下的文字:侈口,直颈,圆腹,以青花绘龙纹。这些文字或在图片的一侧,或在图片的下方。如果没有图片——比如古代宫廷陶瓷档案——这样的文字大有存在的价值和意义。但你已经看到这件瓶是直颈,为何还要写下“直颈”,难道是防备有人会看成弯的?我们甚至会为侈口疑惑,这不过是业内形容口部外张的一个“术语”——你又学到了一个新词,但这与你观察并欣赏一件瓷器毫不相关。
    另一类所谓陶瓷美学的书籍,又往往大而化之。它们试图用种种概念来囊括长达数十年乃至数百年历史长度的无限丰富的美。这无疑会造成极大的困扰和误读,比如认为宋瓷就是极简,认为乾隆官窑瓷就是繁复。
    在我眼中,陶瓷之美的历史,不过是一件件美妙陶瓷的历史,像一颗颗珍珠,在历史上闪烁着迷人光彩。谈到宋瓷,我脑中浮现的是汝窑水仙盆,官窑的弦纹瓶,建窑的兔毫盏;说到明代瓷器,我想到翠青釉三耳盖罐,甜白釉梅瓶,填红三鱼高足碗,青花海水龙纹抱月瓶。每一件都具体、真切、无与伦比,它们串起如项链。
    并非不需要美的思辨,但更重要的,难道不是对一件件瓷器的美的感受吗?如果我们不能深切地感受一件陶瓷的美,理解它如何美、为何美,甚至给我们的生活带来怎样的美,再多的陶瓷“专业”知识,又有何益?
    不过,如果一件精美的瓷器足以唤起人们最深切的美的感受,又何须文字?美难道不是难以捉摸,更难以言传的吗?
    事实并非如此。
    美虽然源于器物本身,但理解和欣赏美非但不纯粹出于自然,甚至必须通过学习获得。凡?高画作的美在今天的人们看来无须多作解释,但如果它能自然唤起美的感受,为何与他同时代的人会对他嗤之以鼻、不屑一顾,以至于他在绝望中结束了自己的生命?
    是的,如同语言,理解和欣赏美需要学习,特别是在普遍缺乏美学教育的今天。且不说一般人对古代陶瓷之美缺乏基本的了解,即使如博物馆这样的专业机构,也常常因为不懂得美或忽视美而把一些美学上乏善可陈的陶瓷视为珍宝,而让另一些美的杰作在仓库中蒙尘。
    去年,出版人陈垦多次与我讨论这个话题。他在生活美学方面出版的众多书籍引领风潮,取得的成绩有目共睹。我的《捡来的瓷器史》出版之后,他希望能有一本关于陶瓷之美的著作,而我也一直有这样的想法。去年出版的《纹饰之美》刚好是这样一本书的前奏。
    在诸位即将读到的这本书里,我将通过一件件陶瓷史上的杰作,让人们能够领略陶瓷无限丰富的美。
    我选择了77 组瓷器(不可避免地带有我个人的偏好甚至偏见),希望借此让人们对中国陶瓷的美,有更加具体的认知和感受,而并非停留在对某一时期概念性的了解,除了反复玩味几个一再重复的词语,比如简洁、大气等而再无其他。
    这个数字听起来很有些神秘的意味,刚好也是我出生的年份。其实在这份炫目的清单上增加或减少几件,并不会对本书造成多少影响——其实最初的设想是80 或100 件,也不过是屈从于凑整数的习惯。
    了解并欣赏这些瓷器的美虽不困难,也并非轻而易举。
    毕竟陶瓷之美是无比丰富而复杂的。它如同雕塑占据空间;它是绘画;它在装饰艺术领域的成就,令19 世纪西方最重要的建筑设计师之一欧文?琼斯无比痴迷,他竟将其所见一笔笔画下来;它如玉的质地在千年以前令一位宋代皇帝爱不释手,不惜将自己的年号赐予烧造它们的小镇,如今皇帝的名字少有人知,小镇却在数百年间令全世界为之疯狂,那个年号叫“景德”;更不必说它工艺之精巧、结构之复杂常常让我们惊叹人类双手所能创造的奇迹。
    是的,陶瓷之美包含着造型之美、绘画(装饰)之美、材质之美以及工艺之美,更包含着生活之美。毕竟,每一件瓷器的诞生,无一例外都是满足于生活的需要。
    这77 组陶瓷,将从不同的侧面代表和展现中国陶瓷惊人而无穷的魅力。我将试图阐明这些美是如何产生的,要如何欣赏,又是如何与古人的生活发生联系的。
    没有深入的了解,就不会有深刻的把握,更难有深切的体验。小时候学书法,一直难以理解唐代大书法家欧阳询路遇名碑的故事。欧阳询居“欧颜柳赵”之首,楷书冠绝古今。一次,他在路边偶遇一块石碑,是西晋大书法家索靖的手笔。他停马观赏良久不忍离去,最后竟在碑前读了三天!
    有人对着一幅名画流泪,但同一幅画,多数人却只是走马观花,一带而过。在人头攒动的博物馆,人们仅仅满足于到此一游。并非不愿多做停留,而是当我们缺少必要的了解,也就不可能感受到那些伟大艺术真正的美,又如何长久驻留?
    当我们真正懂得了一件瓷器的美,懂得如何欣赏其造型的优雅、颜色的美妙、画面的意趣,就会在博物馆里面对它时感到震颤,驻足良久,不愿离去。
    希望这本书能够成为那把钥匙,去打开通往陶瓷之美的大门。
    写作的过程自然是艰苦的,因为日常还需要烧造瓷器,那是同样艰辛的工作。对我而言,写作的过程还有另一重深意。事实上,这些陶瓷史上的杰作,很多本来就是我效仿的对象,有如临帖。写作的一年多时间是我另一次深入研究与领悟的旅程——有如读帖:远观其势,近取其质,在被人忽略的细枝末节中领会高超的技艺与微妙的变化。
    但收获是巨大的。希望这些收获能在书中呈现,更能在我的作品中呈现,与你分享。

精彩页(或试读片断)

  

    清康熙青花团花锯齿纹摇铃尊|如观美人
    观瓶如观美人。瓶口是轻启的唇,往下是颈,再是肩,然后是腰,最下是足。
    摇铃尊颈部细长舒展,优雅如天鹅,瓶颈微微一收,挺直而富弹性,肩颈处一圈弦纹如项链,颈项就愈发高贵、挺拔、柔美。想象手指从柔腻的颈部滑向肩,轻轻一转,顺势而下。肩部是有骨的,外柔而内挺。往下一收腰,足一扎,身段就亮了出来:娇媚中见着挺拔的风骨。如是美人,带着几分英气。
    这种叫摇铃尊的小瓶,据说是从摇铃上得了灵感,的确很像。
    它诞生在清代康熙时期,是清代官窑最早的杰作。
    明代万历朝之后,御窑厂早已名存实亡。清朝入主中原,顺治皇帝似乎没有瓷器的雅兴,提过一些特殊的需要,下旨景德镇完成,却屡屡失败,不了了之。康熙皇帝继位,内忧外患,自然也顾不上瓷器这等小事。1680 年(康熙十九年)台湾收复,困扰康熙皇帝的最后一块心病去除,四海既定。这一年,沉寂了近一个世纪的御窑厂,又重新燃起窑火。这把火,点燃了中国陶瓷史最为辉煌的一页。
    历史上康、雍、乾三朝总是并称为清三代,陶瓷上也是。不过,人们总是对雍正和乾隆父子俩的品味指指点点,很少说到康熙。似乎康熙只是一个引子,真正的辉煌属于他的儿孙。
    这真是一个天大的误会。雍正朝瓷器给人的印象高冷简约,有文人的意趣和雅致;乾隆成了繁复的代名词——华丽、复杂、精巧。康熙皇帝似乎难以贴上标签。而事实上,他才是开宗立派的大宗师。他的绝学,分别被儿孙继承。雍正的格调无非是延续了康熙文雅的一面。而乾隆则进一步发挥华丽的一面,却又有些过度。
    皇家瓷器自明代以来,就不仅仅是日常使用,还关乎祭祀,小看不得。康熙大加重视,专门指派督陶官亲赴景德镇管理整顿窑务。他不希望因循前朝,而要烧造出本朝的风貌。一位名叫刘源的大臣及时领会到皇帝的意图,在家中苦思冥想,终于完成了一百多幅设计稿。他既是文人,又精于绘画,设计的瓷器样式既有新意,又富文人气息。自然,也少不了皇家的气派。这样的设计与民间的创造自然不能同日而语,毫无意外得到了皇帝的赞赏。
    刘源的设计稿早已不知所踪,哪一件官窑瓷器出自他的设计,已经没有清晰的证据,不过,前无古人的新样式有可能出自他的笔下,这似乎是个合理的推断。摇铃尊便是其中之一。
    如果说摇铃尊的样式还能找到前代杰作的身影(如纸槌瓶、越窑八棱瓶),装饰的手法则是全新的设计。
    在众多官窑瓷器中,它的装饰显得吝啬:靠近底部的一圈锯齿纹(三角形),有如裙边,肩部点缀团花(圆形),此外,就空空如也。这种纯粹以几何形为装饰的手法在元代以来的陶瓷装饰中,极为少见。大量的留白,需要设计者充分的想象力与巨大的勇气:毕竟不是小家碧玉,小鸟依人,皇家的气派,多,总是安全的。
    装饰虽少,气势上却不弱,底纹如山,团花如日,瞬间便有了一览天下的豪壮。
    青花色调也蓝得恰到好处。康熙时期,青花明艳动人,称为“翠毛蓝”,蓝如翠鸟羽毛,闪着光。这得益于当时对青花料处理技术的进步:毕竟珍如黄金的“苏麻离青”已绝迹百余年,就是嘉靖万历时期的“回青”也早已不知所终。此时用的是一种国产“珠明料”。单从材料上比,逊于“苏麻离青”及“回青”,但工艺的进步弥补了不足,甚至还大有赶超之势,成为与永宣青花比肩的历史高峰。
    简单的装饰无疑丰富了整件瓷器的秀美,底部的纹饰有如裙边。
    但名称却显出男性气质。宋代以前,尊是储酒器,用来盛酒。它体形大,不用于日常品饮,而用于祭祀,作为礼器地位尊贵。不过到了明代,文人把上古的青铜器都用来插花,成了花瓶,于是瓶和尊就混在一起。事实上,摇铃尊称为摇铃瓶似乎更准确:今天仍希望将瓶与尊加以区分,认为口小的可以叫瓶,比如梅瓶,而口大的更合适称尊,比如凤尾尊。但摇铃尊口小却仍是叫尊。
    不管叫什么,它诞生之后便成为一时经典。除了青花,传世的还有用釉里红装饰,画面与青花一致。全世界很多博物馆都有收藏,拍卖会上也时常现身。不过各自的藏品也有不少差异,有的脖子稍粗,有的肩更秀美、更圆润,有高,有矮,有胖,有瘦,有的仅仅毫厘之差,气质上就很有些不同。
    其间的细微差异与气质变化,需要细致的审视与玩味。